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Artista del Tatto

Cinco verdades del tattoo realista

El realismo o fotorrealismo es una técnica que da como resultado una obra de arte que parece una fotografía o un objeto 3D de la vida real. El enfoque de este estilo tiende a estar en rostros, animales, paisajes y objetos diversos y es de los estilos de tatuaje más nuevos, el fotorrealismo es uno de los más fascinantes. Requiere extrema paciencia y un artista con ojo para los detalles. 

Muchas veces, el realismo involucra muchas capas y colores para maximizar su contraste y efecto 3D. Algunos artistas del tatuaje incluso pueden hacer que ciertos aspectos de una imagen se vean húmedos, como el interior de la boca de una persona, o como el brillo de humedad que cubre nuestros ojos. Es mucha información, pero te resumimos en cinco verdades.

1.- El movimiento artístico Fotorrealismo se materializó como una evolución del Arte Pop… Aquí es donde muchos tatuajes Realistas encuentran su base.

Maestros como Miguel Ángel, Da Vinci, Rembrandt y Tiziano prepararon el escenario para que los artistas contemporáneos superen las expectativas e ilustran la vida lo más cerca posible de la verdad utilizando técnicas como la medición de los rasgos faciales, la perspectiva y la cámara oscura. Más tarde, en el movimiento del realismo del siglo XIX, artistas como Courbet y Millet se basaron en estos viejos maestros para aprender técnicas y herramientas, pero adoptaron nuevas filosofías para crear representaciones inclusivas de la vida auténtica. De hecho, muchos tatuadores del realismo también buscan estilos y temas en los Viejos Maestros hasta el día de hoy, pero no fue hasta la invención de la cámara que el enfoque realista en las artes realmente despegó.

2.- Uno de los principales métodos para crear tatuajes de realismo es el mapeo de sombras en una fotografía. Las curvas de nivel que delinean las áreas de sombra y luces se presentan como un mapa topográfico.

Uno de los principales métodos para crear tatuajes de realismo es el mapeo de sombras, reflejos y contrastes. Cualquiera que se haya hecho un tatuaje realista o haya visto la colocación de plantillas, probablemente haya notado las líneas de contorno que delimitan áreas como un mapa topográfico. Esto, así como la fuente fotográfica que suele pegarse en el área de trabajo del tatuador, son solo dos de las formas en que un artista se prepara para crear una pieza de este estilo. Hay varias formas en las que trabajará un tatuador realista, pero lo que es absolutamente seguro es que este estilo en particular requiere mucha planificación de antemano, junto con mucha habilidad y capacitación técnica.

3.- Los estilos y la estética varían, al igual que los diseños. Retratos de celebridades, fotogramas de películas, fotografías, flores, animales, pinturas… lo que sea que quieras reproducir en forma de tatuaje, hay un artista que puede hacerlo.

4.- Micro-realismo

También vale la pena señalar la evolución de las artes del tatuaje del realismo en Seúl, Corea, cuyos artistas han sido pioneros en un estilo que conocemos como micro realismo.

Muchos artistas con sede allí, en particular los artistas residentes de Studio By Sol, han agregado una versión completamente diferente del estilo de tatuaje Realism. Ciertamente, sus piezas son increíblemente realistas, ya sea una reproducción de bellas artes, un retrato fotorrealista de una mascota o una hermosa creación botánica, pero increíblemente pequeñas, con una clara influencia ilustrativa y de acuarela.Artistas como Youyeon, Saegeem, Sol, Heemee y más están asombrando con sus delicadas obras de micro realismo etéreo.

Surrealismo

Existen muchos estilos, diseños y conceptos diferentes dentro del género del Realismo, siendo el Surrealismo otro de ellos. En resumen, el surrealismo es un derivado del realismo y el estilo se puede identificar fácilmente. Escenas realistas de ensueño y retratos yuxtapuestos con combinaciones inesperadas y, a veces, extrañas de objetos ordinarios definen el estilo surrealista.

  1. El envejecimiento del estilo de realismo en el tatuaje.

Existen técnicas específicas que hacen que un tatuaje de realismo parezca real, pero estos mismos rasgos los hacen susceptibles a desvanecerse. Los tatuajes de aspecto realista se crean con un trabajo de línea mínima y mucho sombreado gradual para crear la apariencia real deseada y lograr los efectos de luz y sombra. 

Si en dicho trabajo se usa una cantidad mínima de tinta negra, el tatuaje tenderá a desvanecerse más rápido, más que un tatuaje con una cantidad sólida de negro. El sombreado claro y menos saturación equivale a más desvanecimiento. El sombreado simplemente no se empaca lo suficientemente profundo en la piel para sobrevivir con el tiempo. En términos de un tatuaje completo, si se crea una pieza en color, la tinta negra resistirá mejor que el resto del tatuaje . mejor que los pigmentos de color. donde se usaron otros colores (pigmento). Esto hace que el realismo en color sea el más problemático.

Dado que este estilo es relativamente nuevo, al menos en la forma realzada que es popular ahora, no hay tatuajes de realismo de veinte o treinta años para examinar. Existen imágenes de tatuajes de realismo de cinco y seis años, pero son difíciles de encontrar, posiblemente debido a su importante desvanecimiento. No son nada de lo que presumir. Si bien esos matices serán nítidos cuando deje la silla con su nuevo tatuaje, la exposición al sol, la regeneración de la piel y cualquier pérdida de elasticidad en la piel superarán rápidamente esos detalles:

Los mayores representantes: Steve Butcher , Thomas Carli Jarlier, David Corden, Liz Venom, Freddy Negrete, Inal Bersekov, Edit Paints, Avi Hoo y Ralf Nonnweiler son los mejores en su campo dentro subestilos del tatuaje realista.

Hay muchos enfoques diferentes para hacer tatuajes realistas que incorporan el estilo. Artistas como Chris Rigoni emplean una mezcla de influencias; combina formas abstractas, ilustrativas, pop art y realistas. 

Freddy Negrete, Chuey Quintanar, Inal Bersekov y Ralf Nonnweiler se dedican casi exclusivamente al realismo negro y gris. 

Mientras que Phil García, Steve Butcher, Dave Corden y Liz Venom son conocidos por sus tatuajes de realismo de color altamente saturado. 

Cada artista tiende a ilustrar aquello que más le fascina.

Miércoles, 06 de abril de 2022. Escrito por Estefanía Aguiar.

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Ilustrador Libros PopUp Sin categoría

Cinco características de la ilustración Infantil

Las ilustraciones de libros infantiles siempre han sido un campo que brinda a los artistas la oportunidad de liberar al máximo su potencial creativo. Dado que su audiencia son los niños, a menudo vienen en colores brillantes y vivos para estimular las habilidades cognitivas de los más pequeños. Sin embargo, nosotros, los adultos, aún podemos disfrutar del hermoso arte que representa las hermosas historias y sumergirnos en la atmósfera mágica que crean.

Te traemos cinco características que identifican los libros infantiles ilustrados, independientemente del género y geniales ejemplos para inspirarte. 

  1. Se dirige a diferentes audiencias.

Contrariamente a la creencia popular, existe un gran mercado para los libros infantiles: cubre grupos de edad desde recién nacidos hasta pre adolescentes. Comprender cada uno de estos públicos es fundamental ya que nos ayuda a adaptar nuestro estilo de ilustración y utilizar nuestras herramientas prácticas y pedagógicas a la hora de crear el trabajo. Las siguientes clasificaciones ayudarán:

– De 0 a 3 años: En esta categoría predominan los libros ‘ABC’ o ‘123’. Los padres estarán leyendo estos libros, y es esencial centrarse en el aspecto lúdico de la experiencia. El objetivo no es tanto impartir conocimientos, sino hacer que los libros sean aptos para jugar, de modo que los bebés y los niños pequeños puedan explorar, aprender y divertirse con ellos. Estos libros suelen incluir sonidos, luces, flaps, diferentes texturas, etc.

Por ejemplo este libro «ABC y 123 canciones de aprendizaje» por Scarlett Wing y Beatrice Costamagna.

– 3 a 6 años: A esta edad, los niños empiezan a desarrollar su capacidad de lectura y se convierten en primeros lectores. Este público objetivo puede quedarse quieto y prestar atención a una cosa durante un período más largo. 

Las páginas de los libros creados para este público son ocupadas por las imágenes, y el papel de la ilustración aquí es cubrir la mayor parte de la narración. Como los libros suelen leerse repetidamente, es habitual que los ilustradores incluyan en sus dibujos detalles y elementos que pueden no percibirse en la primera lectura.

Recomendamos analizar el libro «La niña, el oso y los zapatos mágicos» por Julia Donaldson y Lydia Monks

– 7 a 10 años: Lo que debes recordar para proyectos dirigidos a este público es que los niños de esta franja de edad son lectores completamente independientes. Por esta razón, las historias son mucho más largas, el vocabulario y las tramas son más complejas y, como consecuencia, el texto comienza a dominar más la página. Las ilustraciones pasan a un segundo plano en términos de espacio y también deben volverse más realistas. Un muy buen ejemplo es «El frijol caminante insumergible» por Aaron Renier.

2. Son historias sencillas con mensajes sentidos y sinceros, normalmente con una finalidad educativa. 

Debemos contemplar que la estructura narrativa es casi siempre sencilla y los temas y estilos de ilustración son infinitos y libres siempre con la finalidad de enseñar un valor humano o estilo de vida que beneficie al pequeño lector.Por ejemplo, BARNABÉ de Alena Tkach. La historia trata sobre un pequeño elefante que aprende la importancia de estudiar.

3. Independientemente del espacio ocupado en la página, las imágenes tienen un necesario papel coprotagonista frente al texto.

Los niños pueden relacionarse de manera innata con varias emociones, por lo que las ilustraciones que evocan diferentes tipos de sentimientos y reacciones son potencialmente atractivos para un niño, así como educativos en términos de aprendizaje del comportamiento social.

Ciertamente puede haber elementos de misterio, intriga, drama y sorpresa, pero la historia y las imágenes no deben ser demasiado aterradoras y perturbadoras.

Como por ejemplo, Le Cirque des Poilus de Bat Collective: Este libro para niños trata sobre una niña cuyo cabello crece mágicamente rápido. También le encanta pasar tiempo con sus amigos animales del circo. Las ilustraciones de página completa están dibujadas en hermosos colores brillantes y texturas pastel.

4. La relación entre el texto y las imágenes puede ser complementaria o contradictoria, según el objetivo del mensaje.

El texto debe ser interesante y cautivador, pero no demasiado complejo ni extenso y una buena ventaja es que el texto también tenga el tamaño y el contraste adecuados para facilitar la lectura de los padres cansados o los niños que se distraen fácilmente. Por eso, el ilustrador decide el texto e imagen según el mensaje que desea guardar en sus mentes.

Les traemos la fantástica obra: Ser como un tigre de Emilia Dziubak. Este libro infantil cuenta la historia de un tigre curioso que descubre el mundo que lo rodea. Las ilustraciones que representan la historia son ricas en colores y texturas. De hecho, el artista ha logrado transportar al lector al mundo mágico de la jungla.

5. Del mismo modo, en la ilustración de libros infantiles no se dictan las técnicas y se utiliza libremente el collage, las acuarelas, los acrílicos, etc.

Los libros  imaginativos y con detalles caprichosos son siempre de gran atractivo potencial para la imaginación de los niños pequeños.

Por lo general, la singularidad también es un atributo importante de un buen libro para niños, ya que es probable que las historias, los personajes, las técnicas y los estilos de ilustración que son demasiado familiares sean menos interesantes que algo fresco, nuevo e innovador.

Nuestro ejemplo es El gato que le tenía miedo a las sombras de Xavier Collette. Una historia sobre un lindo gatito que le teme a la oscuridad, presentada en un increíble arte de acuarela. El ambiente que se crea con estas ilustraciones de libros infantiles a toda página es ciertamente fascinante y ayuda a los más pequeños a aprender a luchar contra sus miedos y a no tener miedo a lo que no conocen.

Compartimos el pensamiento de los ilustradores infantiles que leerle o compartile a un niño los mejores libros posibles no solo brinda el mayor disfrute y valor educativo, sino que también contribuye a la meta a largo plazo de inculcar el amor por la lectura en un niño y joven. 

¡Aléjese de los libros poco interesantes que podrían transmitir el mensaje indeseable a un niño de que leer es aburrido!

Miércoles, 23 de marzo de 2022. Escrito por Estefanía Aguiar.

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Fotografia

5 tips inteligentes para la fotografía de alimentos.

Recopilamos los tips exactos que coinciden muchos fotógrafos especializados en productos de alimentos para conseguir fotografías de comida bellas. 

Con cinco tips simples pero efectivos mejorarás seriamente tu fotografía de alimentos. También podrás analizar muchos ejemplos, para que puedas ver el cómo de cada consejo en situaciones prácticas.

Si ya estás listo para descubrir cómo fotografiar comida como un profesional, entonces comencemos: 

1. Elige un ángulo que cuente una historia.

Si miras suficientes referencias y fotografías profesionales de alimentos comenzarás a ver un patrón. Los mismos ángulos se utilizan una y otra vez. Como el plano desde arriba o cenital y el plano bajo sobre la mesa desde un lado.

Los expertos recomiendan encarecidamente que utilices estos ángulos como puntos de partida para tu composición fotográfica. Sin embargo, no selecciones uno al azar; en su lugar, debes determinar cuidadosamente el ángulo correcto para la fotografía.

¿Por qué? Porque el lugar donde coloques la cámara influirá en el tipo de historia que cuentes. Y cuando te pones manos a la obra, la fotografía de alimentos trata de contar historias.

A medida que configuras la composición, piensa en la comida. Observa su tamaño, forma, altura y lo que le hace único. Luego coloca la cámara en ángulo para resaltar mejor estas cualidades. Mira estas fotografías de tacos. 

Aquí, el fotógrafo quiere mostrar todos los ingredientes y las hermosas formas hechas por las tortillas y las texturas del relleno. La toma de ángulo bajo se ve decente, pero la toma desde arriba hace un mejor trabajo al contar la historia.

2. Obtén tanta luz natural como puedas en la imagen. 

En la fotografía de alimentos, la luz es la reina. El mal uso de la luz arruinará tus fotos y apagará a tu audiencia. Pero si puedes aprender a controlar la luz, puedes llevar instantáneamente tus tomas de comida al siguiente nivel. 

Asegúrate de apagar el flash automático cuando te estés preparando para tomar una foto, ¡el flash arruinará una foto perfectamente bonita!  

Es posible que debas mover tu plato hacia una ventana o incluso llevarlo afuera para obtener suficiente luz solar en tu fotografía. Esto realizan muchos de los expertos y agregan varios modificadores para poder obtener los resultados más hermosos.

Recomiendan colocar un difusor entre la ventana y la comida,  especialmente si se está trabajando con luz solar directa. 

La luz solar directa produce sombras duras y oscuras y reflejos brillantes. Estos pueden distraer, pero al agregar un difusor, puede suavizar la luz, reducir las sombras, reducir los reflejos y obtener un efecto encantador. Ten en cuenta que puedes comprar un difusor barato en cualquier tienda de fotografía, pero también tienes la opción de hacer tu propio difusor (simplemente cuelga una sábana blanca delgada frente a la ventana).

Aquí un ejemplo de lo comentado, la luz natural directa puede dar sombras duras y definidas (mira la sombra debajo del pastel de limón a la izquierda). Pero con un poco de ayuda de un difusor barato, puedes suavizar las sombras (como se puede ver en la imagen de la derecha).

3. Elige un objeto principal y rodéalo

Una configuración simple de fotografía de alimentos debe comenzar con un objeto principal o también llamado objeto héroe, es decir, el punto focal de tu sesión de fotos, el elemento que deseas resaltar. Generalmente, este es el plato principal.

Así que identifica tu objeto principal; colócalo sobre la mesa y luego puedes rodearlo con accesorios que se relacionen con la comida: los ingredientes, las salsas, los aceites y los utensilios de cocina pueden contar la historia de la preparación de la comida. Latas, frascos, hierbas, vasos, telas y mantelería pueden dar pistas sobre el origen del plato o la estación en la que se sirve.

No te excedas, por supuesto, pero coloca algunos objetos en el primer plano y en el fondo. Estos elevarán la historia de la toma, además de que le darán profundidad física a tu composición.

En la imagen a continuación, los accesorios se suman a la historia. Tienes el objeto principal, el tazón de comida, pero también tienes los ingredientes (los pistachos), así como algunos elementos de fondo para agregar profundidad y establecer la escena. El espectador es instantáneamente golpeado por una sensación de lugar que describe los orígenes árabes de este delicioso dulce.

4. Usa líneas y capas para mejores composiciones.

Ya comprendimos la importancia de rodear tu objeto principal con accesorios, pero debes asegurarte de que estos accesorios no distraigan al espectador. Aquí es donde entran en juego dos sencillas técnicas de composición: las líneas y las capas.

En las líneas: 

Organizar cuidadosamente tus accesorios en líneas y capas, puede dirigir la atención de la audiencia hacia el tema principal. Entonces el espectador no se distraerá con los accesorios; en cambio, los accesorios servirán a la imagen como un todo. Así que usa creativamente tus accesorios para formar líneas. 

Aquí hay un uso cuidadoso de las líneas: En la imagen de la izquierda, se colocan los cubiertos para que conduzcan la mirada a la ronda de Brie (el queso). En la imagen de la derecha, el cuchillo y las semillas de granada crean líneas que enmarcan al objeto principal.

Otro ejemplo, en esta fotografía, una cuchara dirige al espectador directamente hacia el tazón de duraznos horneados con helado.

En las capas: 

Recuerda usar capas para crear composiciones tridimensionales. 

Si la intención es tomar la fotografía desde un lado: la cámara debe estar colocada sobre la mesa y se debe agregar varios accesorios escalonados delante y detrás del objeto principal. 

Para tomas como estas, una profundidad de campo reducida puede evitar que los accesorios distraigan demasiado  .

Por ejemplo, El Brie (Queso) en la foto de abajo está ubicado en medio de varios accesorios y dos grandes áreas desenfocadas. Esto crea un efecto de capas tridimensionales y envía tus ojos directamente al objeto principal.

5. Limita el color y simplifica tus composiciones

Según los expertos un error en común al comenzar es agregar accesorios coloridos que eclipsan el objeto principal y roban toda la atención.

Los fotógrafos, en común acuerdo, recomiendan accesorios, fondos y vajilla con tonos neutros: grises, marrones, negros, plateados, blancos, etc.

También recomiendan, en el montaje, elegir accesorios de texturas que ayude al objeto héroe o principal resaltar.

Por ejemplo, en esta fotografía se usa una bandeja de metal negro y papel para hornear para amplificar las frutillas rojas brillantes y el relleno dentro de estas crostatas. De esa manera, la comida se roba el espectáculo y el color y textura de los accesorios, aunque complementarios, no distraen la atención del objeto principal.

Miércoles, 09 de marzo de 2022. Escrito por Estefanía Aguiar.

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Libros PopUp

3 razones para amar los libros pop up

Si no lo sabías el – Libro Pop Up – o libro emergente es un libro con elementos de papel dentro de las páginas que pueden ser manipulados por el lector. Muchos se refieren a tal libro como un libro móvil. 

Los libros pop up incluyen texto, ilustraciones y elementos plegados, pegados o con lengüetas que se mueven dentro de las páginas de la historia. 

Los libros móviles no son nuevos. Hace unos 700 años, la gente usaba libros simples con partes móviles para enseñar sobre anatomía o hacer predicciones astronómicas. Incluso la adivinación usaba libros móviles. 

El libro desplegable fue dominio de los adultos hasta finales de la década de 1880, cuando los libros de metamorfosis, también llamados libros abiertos, incluían ilustraciones divertidas desplegables dentro de sus páginas para el disfrute de los niños.

En la década de 1960, el estadounidense Waldo Hunt comenzó a producir sus propios libros móviles para el consumo popular y se cree que popularizó el libro pop up a mediados del siglo XX. Hoy en día, los libros emergentes son enormemente populares entre los niños debido a la novedad de los elementos que se mueven, las tarjetas de felicitación y los anuncios incluyen elementos emergentes.

Por eso te vamos a mencionar tres grandes razones para amar los libros pop up.

  • Estimula tu inteligencia geo espacial 

Los libros pop up incitan otras modalidades de aprendizaje. Se ha demostrado que mejora las habilidades de visualización espacial mediante el aprendizaje práctico. Tales habilidades les permiten a los niños, jóvenes y adultos comprender, caracterizar y construir su propia lengua vernácula para el mundo que los rodea. 

Si eres de aquellos que se ocupan en desarrollar la habilidad geoespacial con la ingeniería del papel, puedes optar por ver ideas similares pero de manera muy diferente en el libro pop up Yellow Square por Bataille, David A. Carter, que se concentra en las formas. 

Su versión pide a los lectores que encuentren un cuadrado amarillo de papel ingeniosamente escondido en formas que se asemejan al trabajo de grandes artistas como Alexander Calder o Christo. Al igual que con los textos de varias capas, este libro casi sin palabras crea muchas vías para el aprendizaje espacial e invita al disfrute y la contemplación.

  • Aumentar la narrativa general.

El arte pop-up también puede adoptar elementos literarios. En lo alto del factor sorpresa está el tornado negro arremolinado que se eleva desde la página para comenzar el recuento de Robert Sabuda de El maravilloso mago de Oz . Es tanto un gancho para el lector como una emocionante línea de apertura en una novela. 

La mecánica del papel también puede aumentar la narrativa general. En el sándwich de Sam o Sam’s Sandwich, por ejemplo, el joven Sam está haciendo un sándwich para su hermana. Cada adición, desde lechuga y queso hasta un insecto y gusano, construye la acción ascendente tanto para su creación culinaria como para la historia en su conjunto.

Por otro lado, la Enciclopedia prehistórica de Robert Sabuda y Matthew Reinhart o Encyclopedia Prehistorica: Dinosaurs da un buen ejemplo de texto sólido combinado con impresionantes ilustraciones. Las ventanas emergentes de página completa incluyen favoritos perennes como ankylosaurus, triceratops y brachiosaurus, todos exhibidos en papeles de colores vivos. Pero respaldar estas imágenes llamativas es un texto claro, atractivo e informativo.

  • Fomenta la curiosidad y la lectura 

Tales solapas, lengüetas y otras mecánicas de papel adicionales no solo mejoran la interactividad de los libros pop up, sino que también explican gran parte de su popularidad. 

Lo que hacen estas características es darles a los lectores (más niños que adultos) el drama del cambio de página con esteroides por todos lados. Los jóvenes pueden controlar qué tan rápido o lento es un dinosaurio o un cocodrilo (Predators de Lucio y Meera Santoro) aparecerá. 

Además, pueden controlar su experiencia de lectura cada vez que regresan al libro. El lector decide su propio nivel de investigación eligiendo explorar las avenidas secundarias que ofrecen las características interactivas o ignorarlas. 

Tomar ese tipo de decisiones es de lo que se trata la lectura: es la forma en que los lectores sofisticados se acercan a un libro, sabiendo que tienen el poder de leer todo, algo o nada en absoluto. Pero estos comportamientos no son automáticos; son aprendidos. Los libros emergentes son solo una herramienta para demostrar ese proceso. 

Miércoles, 02 de marzo de 2022. Escrito por Estefanía Aguiar.

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Diseño Gráfico Sin categoría

6 beneficios de estudiar diseño en modalidad online.

Aprender cosas nuevas es importante para alcanzar las metas a nivel profesional y personal. Hoy en día, todos sabemos que si quieres llegar más lejos, deberás aprender a combinar tu trabajo o tu rol familiar con tus estudios. Miec, en este artículo, te cuenta 6 beneficios para motivarte a continuar con tu meta  si estás pensando en estudiar diseño a distancia o realizar algún curso en línea.

Primer beneficio: ahorrar en el costo de tus estudios.

Al estudiar diseño gráfico en la modalidad online tienes un ahorro significativo en:

  • Todo el material de estudio del curso, ya que va a estar disponible de forma gratuita y descargable.
  • El transporte público, debido a que no tendrás que viajar desde cualquier punto del país.
  • En el carro evitarás los costos de gasolina, estacionamientos, peajes, posibles multas y el estrés post manejo en horas pico.

Segundo beneficio: potencia la comprensión motora, gráfica y lectora en menos tiempo.

Estudiar diseño conlleva aprender a manejar programas de diseño o herramientas esenciales para la creación de muchas obras, por lo tanto consideramos que:

  • Ver la pantalla del profesor usando un programa y su desenvolvimiento ayuda legiblemente la comprensión motora en menor tiempo. 
  • No es lo mismo ver en un infocus el ejercicio del manejo de un programa ya que la legibilidad cambia, los tonos y formas se distorsionan. Según los expertos educativos, la asociación gráfica de aprendizaje se pierde. De igual forma, la distracción auditiva en clase varía significativamente versus usar auriculares o prender el audio directo del computador al alumno.
  • Las clases pre grabadas a disposición del alumno refuerzan el conocimiento. Bien, se sabe que una persona promedio para alcanzar la comprensión al 100% debe repetir un enunciado al menos 4 veces. En una clase presencial no existe el beneficio de volverla a ver en video las veces necesarias.

Tercer beneficio: equilibrio entre el estudio, el trabajo y rol familiar.

Este punto es uno de los más importantes, estudiar on line te brinda la oportunidad de combinar estas actividades, reduciendo el estrés que podría ocasionar el tener que asistir cada día a clases presenciales cuando salgas del trabajo, por ejemplo.
Ya es un hecho, formarse bajo la modalidad online te permite complementar el tiempo entre la familia, el estudio y el trabajo. Nuestros programas de estudio están medidos para que exista un balance en la vida personal y el estudio en casa. Así, podrás administrar tus estudios, tomando en cuenta que siempre existen plazos de entregas, fechas de evaluaciones o interacciones por convenir. Además, podrás ahorrar tiempo al no tener que desplazarte a otro lugar.

Cuarto beneficio: interactuar desde donde estés.

¡No, no estarás solo! Cientos de estudiantes de cualquier parte del Ecuador están en tu misma situación. Puedes interactuar e intercambiar valiosas experiencias con colegas lejanos a través de los estudios en línea, enriqueciendo mucho más si cabe, tu experiencia educativa.
Nos da gusto comentar que existen muchos casos en los que la modalidad online permite a las alumnos a formar lazos de amistad mucho más fuertes que en presencial ya que la pantalla ayuda a la mayoría a dejar de lado la timidez. La camaradería on line va desde quedar para ver una película juntos, compartir una partida de video juegos, hasta reír y sincerarse por llamada de video.

Quinto beneficio: el acompañamiento constante del tutor.

Tener acceso personalizado a un profesor que guiará en el auto aprendizaje.

A pesar de que este tipo de estudios es más autónomo y no requiere de desplazamientos al aula en un centro, no pienses que por ello vas a estar solo. Detrás de tu aula virtual hay muchas personas trabajando para facilitarte las cosas, para ayudarte y guiarte en todo lo que necesites.
Aunque no puedes verlo físicamente a tu docente, estás a un mensaje de whatsapp para que un profesor te ayude, o una video llamada programada para tutorías o consultas en cualquier caso. El profesor de modalidad on line comprenderá tu necesidad de interacción y brindará toda su capacidad en docencia para solventar tus dudas. Ya es un mito que la educación presencial es mejor que la online en estos tiempos de interacción digital constante.

Sexto beneficio: perfeccionar con las nuevas plataformas de información y comunicación.

Las nuevas tecnologías han cambiado al mundo moderno debido a que la información que se maneja está en constante actualización, por lo que se han convertido en una herramienta esencial en las empresas. 
De esta manera, estudiar de manera online perfecciona a las personas que no están adaptadas a esta tecnología y las nutre con nuevo contenido informativo y de comunicación que, hoy más que nunca, cobran especial relevancia en el ámbito laboral.

Miércoles, 23 de febrero de 2022. Escrito por Estefanía Aguiar.

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Ilustrador

Cuatro características de la ilustración Oriental Actual

La tendencia actual del estilo oriental en ilustración está en auge y sin precedentes en los últimos años. Se vincula con la historia del arte oriental propia de Japón, China o Corea del Sur y la evolución natural del manga y anime. Los artistas nuevos han sido los creadores y partícipes de esta nueva tendencia que propagan su arte por medio de las redes sociales y que enamora a miles de seguidores.

La nueva ilustración Oriental es un dibujo más inteligente, contemporáneo y en continua perfección de técnica. Para reconocer este estilo, contemplamos cuatro características de la ilustración Oriental Actual.

1. La técnica minimalista. 

El gran abanico de color siempre es un fuerte y parte fundamental del dibujo e ilustración oriental. Sin embargo, la nueva generación de ilustradores se limita de manera minimalista. 

El uso del color siempre fue parte de la ilustración y el dibujo oriental, pero la nueva generación de creadores, trabaja de manera minimalista. Existen muchos ejemplos, pero el más cautivador es el de Henn Kim (@henn_kim). Aunque solo utiliza blaco y negro ha llegado a decenas de miles de seguidores al igual que Yoshitaka Amano (@yoshitaka_amano)

2. La historia de amor adolescente.

La temática habitual es el eterno amor adolescente, esas historias de amor incondicional, inocente y soñador típico del adolescente del siglo XXI. Un amor que, a muchas veces está basado en experiencias personales, tomando en cuenta los nuevos medios de comunicación como las video llamadas y redes sociales y ésta es la gran novedad. La nueva generación se despoja de sus limitaciones de demostración emocional tan propia de su cultura y se expresa con una visión universal y amplia.

Algunos referentes son los ilustradores orientales ZipCy (@zipcy), Lee Kyu Young (@gyung_studio).

3. La inteligencia artística. 

La ilustración oriental actual es sencilla pero directa. Invita a reflexionar sobre la evolución emocional en su vida, su vida digital y la agitada vida moderna que se somete. El minimalismo en plasmar complejas emociones resulta ser profundo y realmente bello. Muchos ilustradores trabajan con maestría la inteligencia en sus ilustraciones y consiguen cautivar al lector y obviamente crear un nudo en el estómago.

Como es el trabajo de Noriyoshi Ohrai (@noriyoshi_ohrai) Victo Ngai(@victongai).

4. La naturaleza como vehículo de expresión. Bueno, no solo la tecnología que usan a diario es su lenguaje, también la naturaleza oriental es su inspiración. La simbología rompedora de formas naturales, animales soñados, atardeceres mágicos y primaveras suaves son escenarios y protagonistas de mensajes muy originales y dignos de admiración. Por ejemplo, el maravilloso trabajo de Rlon Wang (@rlonart)

Miércoles, 16 de febrero de 2022. Escrito por Estefanía Aguiar.

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Community Manager

3 ideas para atraer más seguidores y mantener los antiguos

Si estás utilizando Instagram para impulsar tu negocio, tienes la idea correcta. Es una de las redes sociales más usadas en Ecuador.

El engagement en español y en marketing significa compromiso y en Instagram incluye todas las formas en que los usuarios pueden interactuar con tu contenido, por ejemplo: Me gusta, comentarios, acciones compartidas y guardados. 

¿Por qué es importante el engagement?

Cuando el engagement es fuerte, significa que tu audiencia puede sentir una conexión lo suficientemente fuerte con tu marca como para realizar una compra. 

Un gran engagement puede incluso ayudar a que tu contenido sea priorizado por el algoritmo de Instagram y los motores de búsqueda. Lo que significa que llegará a más y más personas adecuadas o seguidores; es decir crecimiento en Instagram.

Aquí, 3 ideas que puedes seguir para aumentar el engagement de tu Instagram para mantener y atraer más seguidores.

1. Crea un feed de instagram y publicaciones optimizadas para los motores de búsqueda. De esta manera puedes aumentar la visibilidad de tu contenido de valor y atraer nuevos seguidores. Los seguidores actuales valorarán tu contenido. 

  • Enfócate en una palabra clave por cada publicación.
  • Cuida el título de la publicación, son 120 caracteres críticos del copy. Puedes usar caption de instagram o en español descripciones para Instagram que inspiren,
  • Agrega un texto alternativo. Esta es una nueva funcionalidad en instagram, úsala. 

2. Usa Hashtags y Location Tags. Utilizar hashtags y ubicaciones posicionas tus posteos en temas de interés y localidades donde no se ha llegado antes. Puedes tomar ventaja de la visualización en pueblos o ciudades pequeñas.

  • No olvides revisar la calidad de etiqueta y el contenido que se publica en ella debe tener relación y coherencia.
  • Explora lugares y ata tus mensajes a un espacio físico relevante. 
  • Guarda tus historias con etiqueta de lugar en tus historias destacadas.

3. Interactúa con tus seguidores. Recuerda que tus seguidores son personas no solo números. Analiza de qué hablan, qué les gusta, a quién siguen y las razones sociales que defienden para realizar contenido de valor en base a sus preferencias y proponer nuevos temas con la seguridad de que les va agradar.

  • Da likes a sus posteos e interactúa con sus historias. Si solo entras a instagram para publicar, el algoritmo te golpeará y no van a entrar nuevos seguidores.
  • Utiliza stickers de interacción en las historias para generar debates e interacción.
  • No publiques contenido de baja calidad, de temas copiados o monótonos porque no solo perderás tus seguidores antiguos, la calidad de toda tu marca bajará.
  • Y un consejo más, para un crecimiento orgánico, no juegues al sígueme y te sigo para conseguir nuevos seguidores porque el algoritmo de instagram, ya sabes, te golpeará.

9 de febrero de 2022. Escrito por Estefanía Aguiar.

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Artista del Tatto

Tipos de máquinas de bobina para tatuar

¿Estás pensando en tener tu próximo proyecto de tatuaje? Si tu respuesta es un SÍ, es posible que ya tengas tu kit de tatuajes, tintas para tatuar y algunos  diseños de tatuajes en el brazo, tatuajes para mujer y tatuajes pequeños en espera.

Para tu proyecto de tatuaje, necesitarás algunos tipos de máquinas para tattoo de bobina que te van ayudar  a dar vida al diseño que deseas.

Tres tipos de máquinas para tattoo de bobina. 

Máquinas de tatuaje de bobina de revestimiento

El propósito principal de la máquina para tattoo de línea es aplicar una sola pasada de la tinta dominante sobre la piel. Esta línea se convertirá en el contorno general del tatuaje.

Máquinas de tatuaje Shaders Coil

El propósito de esta máquina para tattoo es aplicar diferentes gradientes de tinta a la piel. Esto penetra un poco más en la piel que los delineadores para permitir que los tonos se emparejen.

Máquinas de tatuar Color Packer

El objetivo de la máquina para tattoo color packer es rellenar con colores el tatuaje. Este tipo de máquina de bobinas penetra más en lo profundo de la piel que los shaders. Permite que los colores y pigmentos entren profundamente en la piel para evitar volver a trabajar.

Aparte de las máquinas de tatuar de bobina, otro tipo de máquinas para tattoo muy conocidas para los tatuadores son las máquinas para tattoo rotativas.

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Artista del Tatto

Cuatro cosas que debes saber de las máquinas de tatuar de bobinas.

Las máquinas de tatuar de bobina son las responsables del ruido que escuchas cuando entras a los estudios de tatuajes. 

Pero… ¿Qué es una máquina para tattoo de bobina?

Una máquina para tatuaje de bobina utiliza una corriente electromagnética que pasa a través de dos bobinas que permiten que la barra de las agujas se mueva. 

Esto, a su vez, crea un movimiento similar al de un martillo que es exactamente lo que empuja la aguja de esta máquina para tattoo hacia arriba y hacia abajo para perforar la piel una y otra vez; así las tintas para tatuar entran a la piel.

Esta máquina para tattoo tiene demanda entre los artistas del tatuaje por estas 4 razones:

  1. La velocidad y la potencia de las máquinas de tatuar de bobina son fáciles de regular.

Tu controlas la punzada y la velocidad en cada trazo, por eso es la mejor considerada al momento de empezar en este riguroso pero hermoso arte.

  1. Las máquinas para tattoo de bobina son fáciles de personalizar.

Más pequeñas, cambio de agujas, menos o más cable todo es posible con la máquina de tatuar de bobina al ser versátil.

  1. Las máquinas de tatuar de bobina garantizan un tiempo de finalización más corto.

Esto se debe a que su propio diseño de perforar la piel de manera constante y firme ayuda al tatuador a conseguir los resultados deseados en menor tiempo.

  1. Las máquinas para tattoo de bobina proporcionan un peso más estable que permite un mayor control para el artista.

Aún cuando parezca un contra, el peso es ideal para desarrollar una técnica de perfección de trazo en las punzadas del tatuaje.

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